istituzionale che a sua volta  è testimone e luogo di memoria di altre culture.

Prima di cominciare i lavori ha preso la parola il dott. Giacomo Oliva  ( in rappresentanza del Museo della Magna Grecia ) che ha dichiarato: « vi porgo i saluti a mio nome ed a nome della dottoressa Lattanzi che è impegnata in altra sede e non ha potuto intervenire. Personalmente: io sono lusingato di presenziare a questo convegno. Non pensate che sia strano che all’interno di un Museo archeologico si svolgano questo genere di manifestazioni. Tutto questo tipo di eventi sono collegati fra di loro: nell’arte ogni cosa è legata all’altra. Noi, come Museo, siamo invitati dal Ministero stesso, del resto, a promuovere proprio questo genere di iniziative. Infatti la dicitura stessa del Ministero parla chiaro, non è più “ Ministero dei beni culturali “ ma è “ Ministero per i beni e le attività culturali ».

Uno scenario, quello di Palazzo Piacentini - Museo della Magna Grecia "guardiano" delle antiche culture del Mediterraneo, testimonianze di un glorioso passato, ben custodite e che non si trovano per caso -  come qualcuno ha avuto modo di dire, dall'alto della sua carica istituzionale , ha ospitato  per una settimana una  manifestazione, caratterizzata da due incontri e da un'interessante mostra, inerente il cantautore di quel bacino di mare, appunto il Mediterraneo,del quale  è stato cantore giusto Fabrizio De André.

Da qui nasce il sottotitolo "Popoli e Culture nel Mediterraneo";  unendo Reggio e Genova in un percorso che non  è solo storico-culturale ma anche umano e sociale.

E proprio da questi elementi il relatore ha voluto iniziare il suo intervento sulle note musicali "ideali"   di "Sidun" che secondo lo stesso Gianni Aiello rappresentano al meglio quel Mediterraneo "contenitore di  diverse culture" fonte d'ispirazione di Fabrizio De André " 

I primi abitatori delle  due città ( Genova e Reggio ) provenivano dal mare : essi, forse erano degli esuli, oppure li spingevano  motivi commerciali. Approdarono sul nuovo sito per fondare un'altra area  che aveva similitudini con il luogo natio.

I primi abitatori di razza ligure, fin dal VII secolo furono in relazione con i Greci, poi con  Etruschi e  Cartaginesi. Dagli stessi presero  costumi e tradizioni.  Genova città può dirsi quindi fondata, o per lo meno fiorente, nella stessa epoca in cui fiorirono le altre città greche del Mediterraneo (Marsiglia, Piombino) e le altre città etrusche (Luni, Pisa) ed idealmente percorrendo il territorio peninsulare Sibari, Locri, Reggio, Crotone,  Zancle, od altre realtà che non esistono più, " ... le città morte ..." descritte da Giovanni Pascoli, quindi un altro elemento di  continuità sia nella relazione che nel sottotitolo della giornata di studi dedicata allo scomparso Fabrizio De André.

Il percorso storico di Gianni Aiello continua intrecciandosi con i versi poetici delle canzoni del cantautore scomparso: popolazioni venute dal mare e qui il parallelismo con Creuza de Mà", la canzone scritta in genovese ("Umbre de muri muri de mainè, dunde ne vegnì duve l'è ch'anè" - "Ombre di facce, facce di marinai, da dove venite dov'è che andate").  

Si continua a sfogliare le pagine di storia delle due città ed i loro destini: le guerre puniche, le due città che diventano Municipio romano, le posizioni strategiche delle stesse. 

Le lotte contro i pirati, e qui entra in causa "Sidun" che parla di popoli in catene, di sangue, massacri; il destino dei popoli che si sono affacciati nel bacino del Mediterraneo " ... e i euggi di surdatti  chen arraggë cu'a scciûmma a bucca cacciuèi de baë a scurrï a gente cumme selvaggin-a finch'u sangue sarvaegu nu gh'à smurtau a què e doppu u feru in gua i feri d'ä prixùn e 'nte ferie a semensa velenusa d'ä depurtaziùn ... ( ... e gli occhi dei soldati cani arrabiati con la schiuma alla bocca cacciatori di agnelli a inseguire la gente come selvaggina finchè il sangue selvatico non gli ha spento la voglia e dopo il ferro in gola i ferri della prigione e nelle ferite il seme velenoso della deportazione ..."

Figlio della Genova bene ( suo padre Giuseppe era, tra l’altro, amministratore delegato dell’industria dello zucchero Eridania nonché fondatore della Fiera di Genova ) aveva condotto, fin dai suoi primi anni, un’esistenza che si era rivelata il perfetto contrario della sua provenienza. Amante delle bettole e della strada tout court ( i carrugi genovesi da lui poi cantati in canzoni come Via del campo e La città vecchia ), dedito alle zingarate in compagnia anche di Paolo Villaggio fra gli altri, cliente assiduo di prostitute, gran bevitore, ed infine cantante: più che per vera vocazione, per non sapere in fin dei conti fare nient’altro nella vita. Questa esistenza bohemien ha finito per essere tutta travasata in questo modo nei suoi testi. Pullulano infatti  le sue canzoni di professioniste ( la Marinella scaraventata nel Tanaro dopo essere stata derubata, protagonista della omonima canzone del 1964  ne è solo un esempio), di poveri cristi senz’arte ne parte, di tipi strani che per tremila lire hanno venduto le loro madri ad un nano, di viados ( Princesa dell’album Anime salve, scritto tutto in  collaborazione con Ivano Fossati nel 1996 ), di Cenerentole ( Via della povertà tratta dall’album Canzoni del 1974, libera traduzione  con De Gregori di Desolation row di Bob Dylan), e così via. Questa cifra lo caratterizza dunque pienamente. Sempre dalla parte di chi è rifiutato dallo show-bussines ( da quella bottiglia di orzata su cui galleggia Milano, di cui scriverà, descrivendo alla sua maniera in questo caso i tremendi anni ’80 italiani, anni in cui come dirà Mauro Pagani per poter cantare le tue canzoni dovevi vestirti da marziano e alzare le mani con gli indici al cielo come un imbecille, a questo proposito nella canzone La domenica delle salme ) , di chi soffre, di chi non ci sta, finirà per dedicare pure un intero disco nientemeno che alla figura di Gesù Cristo. 

La prima, ed entriamo subito in medias res, è quella dedicata alla scomparsa del collega Luigi Tenco. 

Avvenuta in quel di Sanremo ( dove, scriverà De Gregori in Festival tratta dal disco Bufalo Bill del 1976, subito dopo il momento in cui si fu consumata la tragedia: l’inviato della pagina musicale/ scrisse tutto è stato pagato). Il 27 gennaio 1967 in pieno Festival, appunto, nella Città dei Fiori Tenco si toglie la vita. 

Si diceva che stiamo entrando subito in medias res riguardo al nostro discorso: perché Tenco lascerà un biglietto nel quale dirà che si è ucciso perché la sua canzone non è entrata in finale dove invece, al suo posto, ci sarà nientemeno che Orietta Berti con il suo pezzo. Questo era il mondo del disco che trionfava a Sanremo e per il quale Tenco perse la vita. De André la notte successiva al momento in cui  apprende la notizia della morte dell’amico compone la sua Preghiera in gennaio ( poi compresa nel disco Volume 1 del 1967) nella quale ad un certo punto dirà fate che a Voi ritorni/ fra i morti per oltraggio/ che al cielo ed alla terra/ mostrarono il coraggio. 

Tenco, dunque uno dei morti per oltraggio. Ecco cosa pensa De Andrè del mondo del disco nel 1969. Ed è quanto ribadirà in maniera più poetica e larvata anche due anni dopo, nel 1971; ma il tempo non è tanto importante in questo caso. Contano le parole. 

Subito dopo la fine dell’intervento di Cordì, il presidente del sodalizio organizzatore, Gianni Aiello, ha consegnato nelle mani di Max Manfredi (nella sua veste di “ delegato” del Comune di Genova) una targa appositamente fatta preparare per il sindaco di Genova, Pericu volendo esprimere così la riconoscenza per l’apporto da egli fornito all’organizzazione.

che ha dichiarato: « Io questa sera qui a Reggio Calabria vengo nella veste di “ delegato” del Comune di Genova. Questa cosa mi preoccupa non poco, io credetemi sono una persona molto poco rassicurante. Però è anche vero che questa mia veste mi fa piacere. Vorrei, a questo proposito, osservare che le istituzioni spesso si accorgono delle cose che succedono con un certo ritardo; in questo caso invece: sembrano essersi accorte delle cose addirittura “ prima “. 

In realtà: non è proprio così. 

La situazione stessa dell’industria discografica parla. Genova è una città che “ parla molto di Genova “, è una città autoreferenziale in qualche modo. Questa è la sua caratteristica. Se ci fate caso nelle altre città non è così: a Roma non si parla di Roma !».

Dopo di che Max Manfredi è passato  a trattare la questione della canzone d'autore, che definirla morta, quindi, darla per spacciata o relegarla al ricordo di alcuni grandi, non tradisce soltanto un' imperdonabile miopia,  è anche malafede.

Il rinnovamento della canzone d’autore non passa soltanto attraverso le mode,  nuovi linguaggi e pretese esigenze di mercato; ma vive, e non vegeta, nella ricerca poetica e musicale dei migliori artisti di oggi.

Amore magari risentito, tradito, scontroso, “stundaio”; ma sempre generoso e incoercibile: amore per le strade vecchie e nuove, i ricordi appannati  e le urgenze vitali che fanno di questa città uno straordinario  palinsesto, un mosaico  dove immagini e culture si sovrappongono vertiginosamente, e dove ( come dicevano gli antichi saggi ) “ciò che è in alto equivale a ciò che è in basso, per comporre le meraviglie della cosa unica”.

C’è una nuova scuola? Non lo crediamo. Sappiamo che ci sono artisti che si conoscono, si stimano, e a volte, lavorano assieme.

Questi attrezzi li uso quando il dibattito su Fabrizio tende a diventare troppo soggettivo con interpretazioni e considerazioni che non sono in linea con i tratti fondamentali del suo pensiero e con quanto lui diceva. 

Proprio nella prefazione che Fabrizio De André ha scritto per le Poesie di Villon (Feltrinelli,1996) egli precisa: "Ora ti saluto consapevole del fatto che quando si tratta di poeti è meglio lasciar parlare loro e non perdere troppo tempo nel tentativo di spiegarli".
Sono quattro pagine importantissime che sottolineano i punti di contatto con Villon e con lo stesso  Georges Brassens che  a Villon ha guardato. 

Si ha quasi l'impressione che Fabrizio parli di se stesso "..Biografie lacunose, poco più che pettegolezzi  fortunosamente cuciti da brandelli di storia ti descrivono avventuriero e assassino prima che di te si perda la traccia  e  comunque io ti riconosco poeta della carità, per lo scandalo delle passioni sfrenate , per le risate scomposte a schermare inauditi dolori, per le inaccettabili sofferenze che sorgono dal tuo canto e toccano il cuore e la mente di chi ti legge, e ancora e soprattutto per i tuoi lasciti. 

Nel tuo testamento è sempre un regalare, anche scherzoso e crudele , qualche cosa a qualcuno , con la sgangherata prodigalità di chi è fuori da ogni casta e non appartiene a niente e nessuno.." . 

Villon e Brassens per Fabrizio De Andrè  erano dei veri punti di riferimento, addirittura " dichiarati". 

Fu tramite  Brassens che Fabrizio si avvicinò all'anarchia quando aveva circa quattordici anni. 

Da anarchico è morto,  dimostrando un grande rigore e
coerenza.
Probabilmente la vicinanza all'anarchia va interpretata con la costante attenzione avuta per gli ultimi, per le minoranze, per coloro che nella vita  hanno scelto la posizione eretta decidendo di non appartenere a niente e nessuno.
Fabrizio in realtà ha sempre cercato di essere un uomo libero, recidendo il più possibile i legami che la società e la famiglia cerca di importi.

Durante le nostre lunghe chiacchierate eravamo arrivati alla conclusione che la cultura è  l'unico strumento che abbiamo per essere liberi ..
Ho avuto la fortuna di assistere  alla registrazione della " Fiera della
Maddalena" la canzone scritta da Max Manfredi qui presente che per me è la più bella partecipazione realizzata da Fabrizio in un disco di un altro artista.

Mi ricordo che Fabrizio mi telefonò intorno alle sedici, io ero a
Roma, mi disse che aveva piacere se lo andavo a trovare al Mulino Recording dove stava registrando.Sono partito in fretta, come i fretta feci la strada, non certo agevole, che da Roma porta ad Acquapendente. 

In quella occasione ebbi la conferma della sua professionalità, dell'attenzione dedicata alle cose che realizzava. Era nervoso perché dopo aver inciso la voce avvertiva un calo di tensione del pezzo. 

I musicisti presenti, compreso il produttore  Edoardo De Angelis, erano della opinione opposta. 

Ad un certo punto fece  "Non sono d'accordo, secondo me con l'aggiunta della fisarmonica di  Antonello Salis il pezzo cambia". 

Io la pensavo come lui, mi ricordo che  quando il nostro sguardo si incrociò gli feci un cenno di intesa. 

Salis  registrò la sua parte ed effettivamente tutto si risolse con lo splendido  risultato che sappiamo.

De André: " tu sei più basso , io più baritono; dunque: divarichiamo le voci, tu fai la voce bassa ed io faccio l'ottava alta ".
Fabrizio mi rispose: " quando entra la mia voce mi sembra che entri un pitone ". 

C'era effettivamente un ingresso troppo forte di Fabrizio. Fu a quel punto che Fabrizio mandò via il buon Edoardo De Angelis, devo dirlo, con una scusa. Gli disse di andare a comprare dell'erisimo , che è un erba che serve a migliorare la voce. 

Dovete sapere che Fabrizio si alzava sempre alle 5 ed in quel momento era in crisi da caffellatte, quando lo aveva diventava gentile. 

Quando Edoardo tornò con l'erisimo noi avevamo finito
tutto quanto. In sala i ruoli erano molto precisi, questo lo posso dire con cognizione di causa. Io avevo, per esempio, già parlato con De André su chi dovesse fare l'arrangiamento della canzone. 

RIPRENDE IL SUO INTERVENTO LUIGI VIVA:

Avremo così i supporti sonori (dischi,cd) e le partiture che  anticamente erano l'unico mezzo che i musicisti avevano per divulgare e trasmettere la loro opera. 

E'ovvio che le partiture in commercio sono partiture parziali e il più delle volte poco precise. 

Un'operazione del genere deve essere realizzate con le più ampie professionalità. 

Ecco perché ho pensato, perseguendo anche un fine divulgativo e didattico, di concretizzare la mia idea tramite i Conservatori di Musica Italiani. 

Saranno proprio gli studenti dei Conservatori a compiere il lavoro di trascrizione che avrà poi più livelli di controllo, quello degli insegnanti e quello del  comitato scientifico formato dai musicisti e arrangiatori che hanno lavorato  con Fabrizio : Nicola Piovani, Gian Piero  Reverberi, Piero Milesi, Mauro  Pagani, Mark Harris.
Ci tengo a sottolineare l'importanza di una tale operazione effettuata solo ed esclusivamente per rendere omaggio ad un grande della nostra musica e a  conservarne correttamente e più a lungo possibile l'opera.. 

Per concludere  vorrei prender spunto da quanto ha detto prima Cordì e tornare al mio libro su Fabrizio. 

Lo vorrei fare parlando dello scrittore Maurizio Maggiani.

Quando stavo lavorando al mio libro , lessi " Il coraggio del Pettirosso"  con il quale Maggiani ha vinto il premio Campiello. All'inizio sono presenti tre citazioni: Isaia, Ungaretti e Fabrizio De André. 

Parlando con Fabrizio venni a sapere che Maggiani  era uno dei suoi scrittori preferiti. 

Pensai così di chiedergli la prefazione della biografia che stavo scrivendo (loro   due non si conoscevano personalmente). 

Ottenuto il suo assenso ne parlai a  Fabrizio,  e ricordo con quanto entusiasmo accolse la notizia. 

Ecco perché anche oggi voglio chiudere il mio intervento leggendo un brano tratto dal libro di Maggiani che può avere molto a che fare con Fabrizio De André ed il suo percorso ed in qualche modo si avvicina all'ultimo capitolo del libro  "Per sempre contro".

Mi auguro che Fabrizio continui a rappresentare questo "  per sempre contro". 

Ovvero il suo  andare in " direzione ostinata e contraria. 

Voleva volare in qua e in là a vedere ilo mondo, becchettare dove c'era da  sfamarsi, e non gli piaceva per nulla che gli avessero assegnato il suo posticino e morta lì. 

Così che un giorno  prese il coraggio a quattro mani e si presentò dal signor falchetto , il re degli uccelli del bosco.

Vorrei il permesso, signoria, di andare un po' dove mi pare, tanto non darei fastidio a nessuno, piccolino come sono-. 

Così gli disse, e intanto gli tremavano tutte le penne. 

Il falchetto s'adombrò immediatamente e fece la voce grossa:- Questa è una faccenda che non mi piace per nulla. 

Tu devi mettere la testa a posto e non star a disturbare con le tue pretese. 

Fila via o chiamo le gazze-. E nel dirgli questo, senza neppure farci caso, gli diede  una zampata che gli artigliò a sangue un'ala. L'aveva pagata cara quell'uccelletto la sua smania di libertà. 

Ma testardo com'era, in due o tre giorni era di nuovo in aria a volare. Certo, alla bell'è meglio, che arrancava dietro alla sua aluccia offesa tutto di sghimbescio. Sembrava diventato un pagliaccio tanto era buffo come si era ingegnato di volare con un'ala sola. E tutti gli uccelli giù a ridere. 

E ridevano a crepapelle anche il signor falchetto e le sue gazze. 

Così che dal gran ridere nessuno si accorgeva che a ogni giorno che passava il pettirosso volava sempre un po' più in alto e un po' più in là del posto che gli avevano assegnato. 

E il giorno che il falchetto se n'è accorto, il pettirosso oramai volava così in su che dall'alto prese a bombardare sul capo il re degli uccelli a colpi di cacatine."
Credo che sia tutta qui la documentazione che mi rimane dell'educazione politica e morale che mio padre mi ha impartito. C'eravamo noi, pettirossi libertari, e c'era l'anarchia. 

Zia Anarchia era lontana, ma i suoi benefici influssi mi avrebbero fatto migliore, più coraggioso e più bello, diverso dalla massa dei servi che non osavano alzare la testa.

Gianfranco Molinaro ha trattato il tema: "La donna nella poetica di Fabrizio De Andrè" e nello specifico ha indirizzato la relazione sulle figure della madre, la prostituta, l'amante, la morte.

Le immagini materne sono numerose e tra loro molto differenti: la madre-sposa ("Marcia Nuziale") che corona il suo sogno dopo tanti anni di convivenza e che è consolata, per il brutto temporale, dal figlio già grande che suona per lei l'armonica. È la stessa madre che possiede un mulino, che cucina  per il figlio la torta di mele e che  è nata ridendo ("Volta la carta"); è la stessa madre che ha insegnato al figlio carcerato come si deve fare un buon caffè ("Don Raffaè"). Talvolta la madre  solo invocata, come nel "Cantico dei drogati" ( "... come potrò dire a mia madre che ho paura? ... ") o semplicemente ricordata per i suoi ammonimenti ("... Mia madre mi disse: non devi giocare con gli  zingari nel bosco ..."), "Sally"; talaltra è madre impari al suo compito, come quella che adora crogiolarsi nel suo masochismo (" ... il martirio è il suo mestiere, la sua vanità") "Al ballo mascherato", o come Madamadorè, che "ha perso sei figlie/tra il bar del porto" .

Sorge allora, potentissimo nella sua infinita dolcezza e nella sua sconfinata sofferenza, il simbolo della Madre che in sè riassume tutte le dolorose virtù di ogni madre.

Le pagine del Vangelo hanno lasciato in De Andrè tracce profonde; egli vi scorge costantemente i segni di  una vicenda umana che pur contiene  il mistero del riscatto metafisico che  profondamente lo affascina e lo avvince, e che lo induce a cantare (con dolente partecipazione) la tragica storia di un uomo crocefisso e quella - forse più tragica- di sua madre Maria.

Parecchie volte Maria è ricordata in diverse canzoni: "Si chiamava Gesù" , "Ave Maria", Maria è la protagonista di "La buona novella"; la sua avventura umana è cantata dalla prima infanzia sino ai piedi della croce: Maria bambina, condotta al tempio a tre anni "L'infanzia di Maria" : Maria che rivive l'Annunciazione "Il sogno di Maria";

Maria che diventa l'emblema  di tutte le donne (di tutte le madri), che De Andrè comprende e insieme compiange  "Ave Maria".

È notte, e Maria viene svegliata da un rumore assordante, inquietante, che proviene dalla bottega del falegname ("Maria nella bottega del  falegname)";

Sotto la croce, s'intrecciano le  voci di tre madri; accanto a Maria, infatti, piangono la morte del figlio anche le madri dei due ladroni, Dimaco e Tito ("Tre madri") .

Per Maria, Gesù non è (o poco le importa che sia) "nostro Signore"; per Maria, Gesù è il figlio ("figlio  nel sangue, figlio nel cuore" dice); e quel rimpianto  finale ("non fossi stato il figlio di Dio/t'avrei ancora  per figlio mio"), rimpianto che sfiora quasi un  pensiero blasfemo ed è l'unico istante di rivolta di Maria al suo destino metafisico. Tale istante segna il primato del destino di madre, al di sopra di  ogni fede e di ogni obbedienza, destino intriso di carne, di sangue, d'amore; davvero siamo in presenza della sintesi di ogni madre.

talaltra sorridenti, rispettose sempre. Certo, De Andrè è capace di creare una grande varietà di tipi nel campionario della donna-prostituta: c'è "Bocca di rosa" che fa l'amore per vocazione, c'è la grande puttana scambiata dal re Carlo  Martello per virtuosa pulzella ("Carlo Martello ritorna dalla battaglia di Poitiers"), c'è l'ingenua fanciulla, che ancora crede a Babbo Natale, trasformata in una dea bellissima dea cinica e infelice ("Leggenda di Natale").

Ancora c'è la cortigiana di lusso che, ormai vecchia, è ridotta a vendere immaginette sacre all'angolo della chiesa ("Il  testamento"), e c'è la prostituta bambina, ancora priva di esperienza ma pronta a imparare; c'è quella che pronuncia i fatidici ( "... micio, bello e bamboccione ..." )"La città vecchia" e quell'altra che inganna un vecchio, per derubarlo assieme al suo complice-protettore "Delitto di paese" . Mai per De Andrè la prostituta è veramente colpevole; la colpa, semmai, è dalla parte di chi profitta dei suoi servigi: così è per Maggie (" ... uccisa in un bordello/dalle carezze di un animale ...") "Dormono sulla collina", così è per Nancy,  che nel suo suicidio ha cercato il rimedio  alla insopportabile solitudine.

Di per sè, la prostituta è donna generosa, che sa dare senza chiedere; in lei si riuniscono figure, che anche questa volta  si coagulano nell'immagine mitica della prostituta: non è forse sempre pronta all'amore? Non è forse sempre malinconicamente afflitta da una profonda nostalgia di  innocenza? Non è forse sempre illusa, che in fondo sogna ancora l'amore?

Nella prostituta di De Andrè si riuniscono la patetica povertà, la sfolgorante e malinconica bellezza (magari scaltrita da qualche civetteria) e l'ingenuità miracolosa della bambina, come avviene nella stupenda figura tratteggiata nella celebre canzone di "Via del Campo".

Graziosa, bambina, puttana: questa è la prostituta di De Andrè, il quale chiude la canzone a lei dedicata con le notissime parole (" ... dai diamanti non nasce niente dal letame nascono i fior ...") .

E i fiori nati dal letame, oltre alla prostituta, sono le numerose figure di donna che popolano gli spazi dell'emarginazione, così frequenti nel canzoniere di De Andrè: sono gli indimenticabili personaggi di Sally, la zingara con il tamburello, di Pilar, la ragazza drogata e assassinata "Sally", di Princesa, amara figura di transessuale ( "Princesa"); sono le giovani spose rom, che vanno a mendicare ("... con le vene celesti ai polsi...") "Korakanè"; è Maddalena, compagna del fuggiasco in terre messicane ("Avventura a Durango") ed è Franziska, la promessa sposa del bandito eternamente in attesa, eternamente sola, sulla quale nessun uomo può posare gli occhi, pena la vendetta ("Franziska"); è Suzanne infine, Suzanne, la pazza incantevole, adorna di ("... stracci e piume/presi in qualche dormitorio ..."): silenziosa e dolcissima, Suzanne la pazza sa far conoscere l'amore, un amore libero e armonioso, anche

È il caso dell'allegra Angiolina , prima che la sua vicenda finisca nella gioia del  matrimonio ("Volta la carta" ).

Ma l'amore a lieto  fine, benchè non sia del tutto assente, è caso raro nelle canzoni di De Andrè. Di solito la vicenda amorosa è tormentata, e quasi fatalmente destinata a finire. 

Egli ricorda innanzitutto l'incapacità dell'amore a cambiare le persone e l'ipocrisia che finisce col governare ogni rapporto ("Verranno a chiederti del nostro amore") . 

Certo, quella ipocrisia che cerca  di dare ai rapporti una illusoria dimensione di perennità è ancora una forma d'amore, ma di un amore  che disperatamente si cerca di conservare, e che invece è ormai finito ("Canzone dell'amore perduto").

Ma in quel rimpianto ineludibile è da ravvisare un sentimento che non può essere totalmente cancellato. ("... ma se ti dico che non t'amo più/sono sicuro di  non dire il vero ...") "E fu la notte" .

("... ma tu che vai, ma tu  rimani ... ma tu che stai, perchè rimani?") "Inverno".

Insomma: quello dell'amore è uno stato incerto, fuggevole, contraddittorio: (" ... io t'ho amato sempre, non t'ho amato mai ...") "Amore che vieni, amore che vai" .

E non bastano a De Andrè le parole che egli stesso sa inventare  per cantare l'amore incerto, per cantare la donna amante: egli unisce  talvolta le sue  parole a quelle dei poeti e canta con loro l'amore che fugge, il  tempo che scappa, come in "Valzer per un amore" , dove De Andrè riscrive Pierre de Rosard.

Ma un altro grande poeta ha inspirato De Andrè, tramite Georges Brassens.  Charles Baudelaire nella raccolta  "Le Fleurs du mal" ha incluso una poesia dedicata a "une passante". Brassens e De Andrè moltiplicano la passante di Baudelaire in tutte le possibili passanti, in tutte le donne scorte un istante e perdute per sempre ("Le passanti").

Ancora Baudelaire si può ritrovare nella "Ballata dell'amore cieco".

Ritroviamo in questa ferocissima donna i tratti fiammeggianti della femme fatale, la donna fatale, cioè della donna-idolo, spietata e bellissima, fredda e crudele, assetata di sangue, assetata di morte.

Il fascino della femme fatale (e  di Baudelaire) lascia il segno anche su un'altra canzone ( "Per i tuoi larghi occhi"); essa narra di un amore finito, eppure possessivo. Siamo ancora in presenza di una donna gelida e crudele, in cui ("...batte un cuore di neve...") i cui occhi ("... non piangono mai ...").

Per De Andrè, anche quando non c'è ritorno, resta comunque  un vuoto che non è possibile colmare: ("... ma dove, dov'è finito il tuo amore ...") "Hotel Supramonte" .

La morte Nei dieci anni dal 1961 al 1971, si registra l'esplodere della vena creativa di Fabrizio De Andrè.

Insistito e modulato,  secondo un vasto spettro di registri diversi, era il tema della morte.

Suicidi, impiccati, annegati, ammazzati, spesso innamorati affollano le canzoni di De Andrè.

"Scandaloso" oltre al tema era il modo di parlarne: una morte senza elaborazione del dolore, senza conforti religiosi e senza lutto, senza vertigini esistenzialistiche o decadentismi poetici (ma con qualche sotterraneo rimando a Cesare Pavese e forse anche a Umberto Saba e a Federico Garcìa Lorca), una morte ostentata e  virile e anche talvolta rancorosa, scarna e contenta, luminosa non notturna, quasi si  direbbe ottimista, ridente e irridente, nella serena disperazione di una danza macabra.

La morte era pure, qualche volta, la morte in guerra, forse la più assurda umanamente, benchè storicamente indistruttibile.

Le canzoni di Fabrizio De Andrè ponevano una questione allora molto sentita specialmente a livello giovanile ma anche tra intellettuali come Bertand Russel o Jean Paul Sartre: pacifismo e critica al bellicismo, incitamento all'obiezione di coscienza e ironia amara sulla retorica dell'eroismo militare.

A conclusione  della relazione di Gianfranco Molinaro , Gianni Aiello, dopo aver dato lettura del documento inviato dalla Fondazione Fabrizio De  Andrè a nome del Presidente Dori Ghezzi che ha manifestato vivo compiacimento "per il consenso con il quale essa è stata accolta dai giovani artisti, stimolati a manifestare la loro creatività cimentandosi con opere ispirate alle canzoni di Fabrizio" , ha premiato i partecipanti Maria Vadalà e Valentina Albanese del Liceo Artistico "Mattia Preti", Sergio Pennavaria, Luana Romeo e Valerio Conforti dell'Accademia di Belle Arti .