Oltre che della stessa classe borghese che (ma De Andrè non ce lo dice esplicitamente) forse un tempo (nonostante i suoi conformismi, le sue regole e la sua mediocrità) era riuscita comunque a produrre  qualcosa di significativo.

Ma la parabola artistica di Fabrizio De Andrè copre lo spazio di trent’anni della storia italiana. Ed ecco che arrivano quei “microfoni” dietro ai quali “porteranno uno specchio per farti più grande e sentirmi già vecchio” (“Verranno a chiederti del nostro amore”).

Siamo negli anni della televisione e della società dello spettacolo; niente è più vero e quindi anche l’amore subisce alcune notevoli e devastanti conseguenze.

La parabola si conclude poi  in quella “Domenica delle Salme” dove in un “tripudio di tromboni” e di simboli post-umani ed in-umani (Un pettirosso da combattimento, le troie di regime, i polacchi che non morirono subito, il poeta della Baggina, gli ultimi viandanti che si ritirarono nelle catacombe) affiora un lugubre  corteo funebre che sta accompagnando nientemeno che “Il cadavere di utopia”.

La società dunque (la società borghese degli anni sessanta e poi televisiva degli anni settanta e poi edonistica degli anni ottanta) celebra il suo trionfo definitivo a questo punto!

L’uomo, ed anche l’intellettuale e persino colui che ama (colui che si abbandona ad un sentimento) vede consumarsi il senso della sua irrimediabile sconfitta.

Adesso non solamente nessuno riesce più a volare,  ma tutti i sogni e tutte le aspettative e tutte le speranze di un tempo, coltivate da generazioni di ragazzi e di ragazze con grande fede ed entusiasmo e passione, sono divenute, adesso, l’immagine di un funerale.

Un funerale che nessuno avrebbe mai potuto prevedere quando quel movimento di speranza e di lotta era cominciato.

Gianfranco Cordì ha dunque concluso il suo intervento affermando che, alla luce di queste sia pur sommarie considerazioni tratte dall’analisi di alcuni testi particolari scritti fra l’altro in anni fra loro lontanissimi di De Andrè si può arrivare ad affermare comunque qualcosa sul valore dell’impegno artistico del cantautore genovese.

De Andrè cioè fu una specie di  testimone oculare  (e poi narratore) di eventi che avrebbero cambiato l’Italia nel corso di trent’anni della sua storia.

De Andrè è giunto a ritrarre un paese.

Ed ha riportarne umori contraddizioni e delusioni come nessun’altro.

E l’ha fatto usando il mezzo della musica, della canzone.

Un mezzo immediato che gli ha consentito di poter diventare, alla fine (possiamo dirlo oggi alla luce della considerazione definitiva che abbiamo del suo lavoro interrotto dalla sua morte prematura) certamente un grande protagonista della vita artistica ed intellettuale del nostro paese.

Ma anche uno dei più prestigiosi e raffinati analisti della società che l’Italia abbia mai avuto.

Dopo l'intervento di Gianfranco Cordì la parola è passata all'altro relatore, il giornalista Vincenzo Foti che ha esordito dicendo che «Anime salve, disco pubblicato nel 1996 e di cui quest’anno ricorre il decennale è l’ultimo della carriera di Fabrizio De Andrè. Apprezzabile più per la qualità della musica che per la felicità dell’incontro tra verso e melodia, l’album sembra manifestare, secondo alcuni, una certa carenza strutturale. Nel complesso, Anime salve si colloca a metà tra un recupero dello stile elegante del primo periodo di De Andrè e quella curiosa accumulazione di metafore ed ellissi cui il cantautore si andava abbandonando nella seconda fase della sua produzione, a partire dal Volume 8, album uscito nel 1975 e realizzato in collaborazione con Francesco De Gregori.»

In un certo senso egli ha sempre parlato e cantato di anime salve nelle sue canzoni, indicando in qualche modo tre strade fondamentali che i suoi derelitti potevano seguire: l’ignavia, l’amore e la grazia.  

Vincenzo Foti ha tratteggiato nella prima parte del suo intervento "l'ignavia" i salvi per felice ignavia.

Questo atteggiamento appartiene a quei percorsi che portano alla conquista della liberazione, rivendicata come proprio personale traguardo. E questo da tempi assai remoti. Pensiamo per esempio al Fannullone, brano a metà tra il divertito bozzetto e il ritratto autobiografico. 

Titolare di “una parte fastidiosa alla gente” perché disposto a fare “della vita una commedia divertente”, il fannullone non si adatta al lavoro e pensa “al matrimonio come al giro di una danza”; quando la sua donna lo lascia, dopo un accenno di malinconia, si autoconvince che “Lei tornerà in una notte d’estate / l’applaudiranno le stelle incantate” anche se, probabilmente, tale speranza mai vedrà compimento.

Più posata e mesta appare, nell’album "Non al denaro, non all’amore, né al cielo" tratto dall’"Antologia di Spoon River" di Edgar Lee Masters, "Il suonatore Jones". 

Qui il personaggio di Fiddler Jones è ritoccato non solo per esigenze metriche e liriche, ma anche perché risultasse meglio sovrapponibile a una certa immagine che De Andrè voleva dare di se stesso. Così Jones, da querulo vecchietto felicemente egoista, si trasforma in elegiaco cantore di una vita trascorsa a guardia della propria libertà, aperta solo alle emozioni del presente istantaneo o, al massimo, a quelle di un’arte estemporanea e di strada.

Nel Testamento, travolgente flusso di immagini e musica, De Andrè sceglie addirittura la prima persona per sorridere di quell’umanità che per interesse o per vanità ha scelto l’affanno e l’interesse stesso come motori della vita. 

L’estensore del testamento, come prima con la vita, ora scherza con la morte, gioca con le scadenze ultimative che essa pone ma, d’altra parte, confessa che tanto cinico disincanto si spiega con la fuga “dal peso della pietà” e si sconta con una fine solitaria.

Ma tale esibita indifferenza è anche sostegno necessario quando la vita stessa sembra una sequenza di lutti e disillusioni. 

Così l’Angiolina di "Volta la carta" – il brano più vivo e riuscito di Rimini – si vede sfilare dinanzi tutti i sogni perduti, dall’infanzia fino alla scelta del mestiere: il suo primo amore, un carabiniere, svanisce nel dramma di una rotta militare mentre gli altri la tradiscono per la consueta attitudine del maschio alla menzogna. 

Di qui lo sbocco: Angiolina guarda la sua storia della giusta distanza e, voltata un’ultima volta la carta, chiamati i ricordi “col loro nome”, senza amore ma con saggio realismo si sposa.

A una vera e propria condizione dello spirito vuole alludere la celebratissima "Creuza de ma", brano eponimo dell’album. 

I marinai protagonisti della canzone, obbligati a percorrere rotte ormai desuete e a praticare un mestiere che la modernità vuole schiacciare, sono testimoni di un mondo arcaico, conservatore e anarchico a un tempo, che stoicamente proseguirà, fino all’estinzione, a scandire i propri ritmi millenari, nulla concedendo ai molitores rerum novarum, i “costruttori di cose nuove”.  

Nel secondo punto "I salvi per amore" De Andrè sa cantare l’amore nella muta fedeltà di Giuseppe a Maria, nella dignità infinita di Michè, nella struggente apostrofe di Piero a Ninetta o nella trasfigurazione in re del carnefice della povera Marinella. Ma, se si esclude il particolarissimo rapporto che unisce la coppia di Nazareth, gli altri amori sono altrettanto infelici, in parte per destino, in parte per la loro stessa profondità. 

Di qui il bisogno di una liberazione ricercata sì nell’istinto, ma non storicizzata nella rivoluzione sessuale. 

La sensualità di De Andrè non a niente a che vedere – anzi contrasta – con i modelli di comportamento sessuale imposti dalla cultura di massa. Non solo: per l’autore l’appetito sessuale può anche diventare espressione di puro e distruttivo egoismo, quando da strumento per comunicare con l’altro, diventa mezzo di una seduzione finalizzata al dominio del compagno.

É quanto accade nella Ballata dell’amore cieco o della vanità.

E comunque De Andrè scorge nel sesso una carica di ancestrale sincerità, idonea a far emergere la debolezza dei vincoli borghesi, anche quando questi si travestono di un velo maliziosamente libertino.  

Maliziosa non è certamente la Barbara della Canzone che porta il suo nome, creatura di cui l’autore canta la passionalità e insieme il disincanto. 

Barbara è di tutti e di nessuno, rimanda a domani indistinto l’incontro con un “amore vero” che per lei sembra coincidere “con il letto di sposa”.

Un odore di libertà trasuda anche da "Princesa", il brano che apre l’album "Anime salve". 

E’ la storia della salvezza alla fine attinta da un transessuale che definisce la propria sessualità lungo le consuete penose stazioni della chirurgia plastica e della prostituzione. Ma alla fine di questa sequenza, Fernandinho troverà addirittura il borghese rispetto che si deve all’amante di un avvocato milanese.

"Via del Campo" allude soltanto alla vicenda di un travestito che si salva invece grazie al proprio ‘mestiere’. 

Il brano, costruito su una melodia non a caso d'intonazione medievale, evoca la continuità psicologica e sociale del mondo e del ruolo delle prostitute. 

Costrette da sempre al nascondimento, verso di loro, altrettanto celatamente, rifluisce la buona gente che cerca non solo emozioni particolari ma anche un'intensità, una verità di rapporti negata dalle mura domestiche.

Il frequentatore di via del Campo – dietro il quale, lo ricordiamo, si nasconde Fabrizio De Andrè – torna più volte presso l’oggetto del suo desiderio e non alla ricerca del piacere ma addirittura “a pregarla di maritare”. 

Ma invano: il portone si chiude. 

La “puttana” non cede alle lusinghe della vita normale, da vero spirito libero o anima salva; e a lei, secondo Biagio Buonomo, va attribuito l’epigrafico ammonimento con cui il brano si conclude: “Ama e ridi se amor risponde / piangi forte se non ti sente / Dai diamanti non nasce niente / dal letame nascono i fior”.

Gli stessi temi di "Via del Campo" ritornano in "Bocca di rosa", narrazione esplicita e popolare ambientata sullo sfondo bigotto e godereccio della provincia italiana anni ’50. 

La ragazza disinibita che “appena scesa alla stazione / del paesino di Sant’Ilario” scuote gli squilibri del piccolo borgo, rappresenta il reagente attraverso cui un corpo sociale statico e torpido secerne, infine, qualche umore vitale. 

Basti dire che la giovane Bocca di rosa sarà, alla fine, se non difesa dalle accuse delle mogli tradite e coalizzate, almeno compresa e rimpianta persino dai carabinieri, fedeli e integerrimi per definizione, e da un parroco, casto per vocazione. 

Ma mentre negli altri brani la salvezza resta un patrimonio essenzialmente individuale, in Bocca di rosa la ragazza non innalza alcun tipo di barriera tra sé e i suoi occasionali compagni; non li usa, infondendo anzi in loro almeno la speranza di una liberazione non solo dal tabù del sesso ma anche dall’insieme di quei vincoli psicologici che chiamiamo valori.

In "Marcia nuziale", forse la più riuscita delle traduzioni da Brassens, il vincolo coniugale si riconcilia, sullo sfondo della campagna francese, con l’amore ma celebrandosi lontano dagli schemi borghesi. 

Gli sposi arrivano in chiesa su un carro da buoi “tirato dagli amici, spinto dai parenti” e accompagnati da tutti i figli generati in 25 anni di convivenza. 

La “gente civile” ha “gli occhi fuori dalla testa” e tuttavia non si alzano voci di censura o di sarcasmo. 

Alle nozze paiono opporsi soltanto “gli dei dispettosi” della pioggia. Ma senza successo.

Oltre questo felice approdo c’è la vicenda del "Malato di cuore" di Spoon River al quale, separata da un corpo segnato dal male e tuttavia salvata dall’esperienza dell’amore, l’anima sfugge dalle mani durante il primo e fatale amplesso. 

Rispetto all’originale, De Andrè accentua l’impaurita e insieme altruistica consapevolezza con cui il malato va incontro al suo destino.  

Nell'ultima parte della relazione Vincenzo Foti ha parlato de " De Andrè conclude con un’invocazione al Signore – Smisurata preghiera – la galleria di Anime salve riprendendo quel ruolo di mediatore con il divino assunto in Preghiera in gennaio. 

L’autore non dice se le anime di cui ha cantato siano riuscite a raggiungere il buon approdo anche per l’intervento di Dio. 

Avverte che “è appena giusto che la fortuna li aiuti”; e se “fortuna” sta per Provvidenza, quest’ultima non può non intervenire a inclinare, in ragione della sua intrinseca funzione, il destino dei ribelli verso la salvezza.

Eppure, almeno una volta De Andrè sembra aver raccolto, nel suo canzoniere, la diretta risposta di Dio all’affanno di un ultimo. 

Nel Pescatore trova infatti la sua figurale epifania quel Cristo solo evocato in Si chiamava Gesù e misteriosamente, in voce e gesti, assente dalla Buona novella. 

Nel brano sono richiamate esplicitamente la fractio panis – ed è un pescatore a compiere quel gesto – l’attitudine misericordiosa del Samaritano, la diffidenza, tutta cristica, per i segni della giustizia degli uomini e, più in generale, l’immutabile, smisurata disponibilità di Dio alla salvezza.  

Nel corso del suo intervento Vincenzo Foti fa qualche cenno alla canzone "Crueza de Ma" riferendosi al rapporto con il Mediterraneo e Gianni Aiello interviene dicendo che anche "Sidun" per altri aspetti, meno romantici, più crudi e tristemente attuali ricorda l'altra faccia del "Mare Nostrum" quello dei soprusi e delle guerre.

Elementi e cifre simboliche, quindi, che troviamo ben presenti  nel dettato letterario del  cantore del Mediterraneo,   di quella porzione di terre, mare e culture care a   Fabrizio De Andrè che ha avuto il grande merito di trasformare il tutto in versi, in poesia, quindi in note. 

violenze, di abusi e soprusi dove i perdenti, i deboli, gli emarginati diventano gli angeli, gli attori principali che recitano sul set del palcoscenico deandreiano.

Un Mediterraneo quindi contenitore di diverse culture ma anche di contraddizioni, abusi e soprusi come, rimanendo nell'attualità dei testi di Fabrizo De Andrè, nello scenario della città libanese di Sidone, teatro di continui massacri che ebbero ad interessare il Libano a far data dal 13 aprile 1975 e dopo una parentesi "momentaneamente" conclusa nel 1991, che si riapre di recente.

Proprio quella  "Sidùn" , teatro di battaglia tra eserciti siriani ed israeliani che nell' album del 1984 "Creuza de mä" , lo scomparso cantautore dà voce ai deboli, a quella popolazione civile che ebbe e subisce il gioco e gli interessi dei potenti.
Un Mediterraneo caratterizzato da diversi aspetti musicali, culturali, come ha rilasciato Fabrizio De Andrè in una puntata della trasmissione "Mixer" del 1984 : «Certo, navigando non è che si incontrino soltanto Jamine o tavole imbandite con gatti in salmì spacciati per conigli selvatici, come si dice nella canzone Creuza de mä. Ci si può trovare anche di fronte alla tragedia, magari alla tragedia altrui, anche se condivisa, in quanto fratelli o figli della stessa cultura. È il caso di Sidone, Sidùn in genovese. Sidone è la città libanese che ci ha regalato oltre all’uso delle lettere dell’alfabeto anche l’invenzione del vetro. Me la sono immaginata, dopo l’attacco subito dalle truppe del generale Sharon del 1982, come un uomo arabo di mezz’età, sporco, disperato, sicuramente povero, che tiene in braccio il proprio figlio macinato dai congoli di un carro armato. Un grumo di sangue, orecchie e denti di latte, ancora poco prima labbra grasse al sole, tumore dolce e benigno di sua madre, forse sua unica e insostenibile ricchezza.
La piccola morte a cui accenno nel finale di questo canto, non va semplicisticamente confusa con la morte di un bambino piccolo. Bensì va metaforicamente intesa come la fine civile e culturale di un piccolo paese: il Libano, la Fenicia, che nella sua discrezione è stata forse la più grande nutrice della civiltà mediterranea.»

Le opere sono state realizzate dagli studenti degli Istituti Artistici della Provincia di Reggio Calabria e dall'Accademia di Belle Arti e  per le quali è stata allestita un'apposita mostra che è  visibile  on-line alla pagina denominata "galleria faber". In fondo a questo resoconto è inserito il link di richiamo, che raccoglie anche le opere partecipanti alle precedenti edizioni.

arricchita ulteriormente  dall'opera scultorea "Faber" realizzata dal maestro Antonio Pepe che è stata esposta lo scorso dicembre a Genova.